Ableton Liveでのボイスリーディング: MIDIコード進行をもっと自然に聴かせる

コード進行がいまいちに聴こえる原因は、コードそのものではないことが多い。問題はたいてい、そのコードから次のコードへどう動いているかにある。

だから、MIDIコードパックは並べ始めた途端に急に使いにくくなることがある。音があちこち飛ぶ。ベースが濁る。トップノートが変な方向へ行く。全体として、どうもなめらかに聴こえない。

それはだいたい、声部連結の問題だ。

声部連結、つまりvoice leadingは、あるコードの各音が次のコードの各音へどう進むかを考えることだ。クラシックの理論ではかなり厳密な話になりやすい。でもポップス、ハウス、テクノ、シンセウェーブ、R&B、あるいはコンピューター上で作る多くの音楽では、もっと実用的に考えればいい。ひとつひとつの音の動きが、意図を持っていて自然に聴こえるかどうかだ。

CメジャーからAマイナーへ進むコードは、たとえばこう書ける。

声部	C major	動き	A minor
上声	G	下行	E
中声	E	下行	C
バス	C	下行	A

紙の上ではこれで問題ない。ただ、毎回すべてのコードを基本形で置くと、音が必要以上に跳びやすい。共通音を近くに残すと、もっとなめらかになる。

声部	C major	動き	A minor
上声	G	1音上行	A
中声	E	保持	E
バス	C	保持	C

和声は同じでも、動きは違う。2つ目のほうがつながって聴こえるのは、2つの音がそのまま残り、1つの音だけが動いているからだ。基本はこれだけ。ボイスリーディングは、音を大量に足して複雑にする話ではない。たいていは、少ない音でうまくやる話だ。

MIDIコード進行が硬く聴こえる理由

MIDIパックは、この問題を悪化させることがある。進行そのものは悪くなくても、コードが汎用的な形で書き出されていることが多い。基本形の三和音、固定されたボイシング、ひとつひとつ切り離されたコードの塊。

それをそのままトラックに置くと、コード間の動きが急に不器用に聴こえる。

コードプラグインにも同じ問題がある。1つのキーでコードを鳴らせるのは便利だが、多くの場合、それぞれのコードを別々の世界として扱う。ある鍵盤を押すとこのコード。別の鍵盤を押すと別のコード。プラグインはコード名を知っていても、その音が次のコードへどう進むかまでは見ていないことがある。

そこは重要だ。リスナーは「声部連結」という言葉を知らなくても、音の動きは聴いている。悪いボイスリーディングの進行は、跳ねすぎたり、安っぽく聴こえたり、妙に切り離されて聴こえたりする。良いボイスリーディングなら、かなり普通のコードでも上品に聴こえる。

転回形は理論の宿題ではない

最初に使える実践的な道具は、転回形だ。コードのルートを一番下に置く代わりに、別の構成音をバスに置いたり、上の音の並びを変えたりする。

Cメジャーならこうなる。

形	音
基本形	C E G
第1転回形	E G C
第2転回形	G C E

ポップスやEDMの制作では、転回形は音の動きを最短距離に近づけるために便利だ。最初のコードの上のほうにEとGがあるなら、次のコードでもその音を使えるかもしれない。わざわざ遠くへ跳ばす必要はない。

これはパッド、プラック、ピアノレイヤー、ボーカルの後ろに置くハーモニーで特に効く。上声がなめらかだとスペースが残る。コードが変わるたびに、トップラインから注意を奪わない。

ただ、転回形には落とし穴もある。バス音まで自由に動かしすぎると、和声の土台が曖昧になる。Cmaj7/Eのような分数コードは美しいこともある。でも、ベースラインがCを強く打つべき場面では違うかもしれない。

ダンスミュージックでは、ベース自体がフックの一部になっていることが多い。ルートの動きを弱めてまで、常に一番なめらかな転回形を選ぶ必要はない。

プロデューサー向けに言うなら、ルールはシンプルだ。中声と上声では転回形を自由に使う。バスを転回させるときは、もう少し意識的にやる。

ローエンドを詰めすぎない

コードをアマチュアっぽく聴かせる一番早い方法のひとつは、低い音域に音を詰め込みすぎることだ。

低域にはスペースが必要だ。ダンスミュージックでは特にそう。C2やD2あたりで密集したコードを鳴らすと、ベースライン、キック、持続系のパッドが加わった瞬間に濁りやすい。理論上は正しい音でも、物理は忖度してくれない。

習慣にするといいのはこのあたり。

• 重さが必要ならバス音は低く置く
• 残りのコードトーンは上に逃がす
• 低い音域ほど間隔を広くする
• 密集したクラスターは中域から上で使う

たとえば、全部を低いところに詰める代わりに、バス音に少し呼吸をさせる。

詰まった低域のボイシング	広げたボイシング
C2	C2
E2	G3
G2	B3
B2	E4

右のボイシングがどんな文脈でも正解というわけではない。ただ、低域がスープになるのを避けやすく、コード全体の胴体もきれいに出やすい。

固定されたコードパックが扱いにくい理由のひとつはここにある。あるオクターブではリッチに聴こえるボイシングも、数半音下げたりサブベースと重ねたりすると、一気に泥になる。ボイスリーディングはコード間のなめらかさだけではない。音域の話でもある。

トップボイスを聴く

多くの電子音楽では、コードの一番上の音が、ほとんど小さなメロディのように振る舞う。リードではなくても、進行の印象をかなり作っている。

トップノートがあちこち跳びすぎると、コード自体はシンプルでも素人っぽく聴こえることがある。もちろん、それが欲しい場面もある。でもパッドや支えるためのハーモニーでは、たいてい邪魔になる。

手でコードを編集するときは、これを試すといい。

1. 各コードの一番高い音を見る。
2. そのトップノートだけを再生する。
3. それが人間の書いたラインに聴こえるか考える。
4. ランダムに聴こえるなら直す。

音を1オクターブ下げる。別の転回形を試す。共通音はそのまま残す。ある声部は順次進行で動かし、別の声部は保持する。

地味な作業だが、地味な作業ほど効く。

Ableton Liveではどう扱うか

もちろん、こういう作業はAbleton Liveで全部手作業でもできる。昔からみんなそうしてきた。MIDIクリップを開き、ノートを選び、転回形を動かし、トップボイスを確認し、低い音を広げ、進行がちゃんと振る舞うまで再生し直す。

4コードのループなら、それで十分だ。

ただ、進行が長くなったり、アイデアを素早く試したいセッションだったりすると、すぐに面倒になる。1つコードを変えたら、次の2つも調整が必要になる。進行全体をトランスポーズしたら、低域が詰まる。MIDIパックから新しいアイデアを作ったら、その進行が曲に合うか判断する前に、音の動きを10分直すことになる。

面倒なのはそこだ。ボイスリーディングは概念として難しいわけではない。ただ、細かくて時間がかかる。

Harmonybeamが役に立つところ

Harmonybeamは、この問題をかなり意識して作った。プロデューサーは、コード進行を素早く試したり変えたりしたい。でもMIDIクリップに入ったときには、ちゃんと音楽として整っていてほしい。

Harmonybeamではコードシンボルを入力すると、MIDIクリップがすぐ更新される。この話で特に重要なのは、Auto Voice Leading機能だ。

Auto Voice Leadingを有効にすると、Harmonybeamがコードを自動でリボイシングし、移り変わりをなめらかにする。アルゴリズムは進行全体の音域と、アンカーとして選んだコードのボイシングスタイルを見ている。

つまり、結果を任せきりにしなくていい。最初のコードを広めにしたいなら、それを文脈として使える。メロディを支えるために特定のコードだけ決まったボイシングにしたいなら、そこは上書きできる。

Bass Inversionsというオプションもある。有効にすると、Auto Voice Leadingはバス音が変わる転回形も使えるようになる。Cmaj7/Eのような分数コードとして表示される。タイトなボイシングでは特になめらかになりやすい。ただ、オプションになっているのには理由がある。ベースはもっと無骨で分かりやすく残したいこともある。ダンスミュージックは対位法の試験ではない。

便利なのは、Harmonybeamが最初の整理をやってくれることだ。進行は最初からある程度自然に動く。そこから好みで判断できる。コードを変えるたび、新しいアイデアを試すたびに、ゼロから掃除しなくていい。

実用的なワークフロー

Ableton LiveでHarmonybeamを使うなら、こんな流れで考えるといい。

1. まず好きなコード進行から始める。HarmonybeamならPop、EDM、Jazzなどのジャンルで進行を生成することもできる。
2. 最初のコードのボイシングスタイルを選ぶ。Closed、Open、Splitなど、パートに合うものを選べばいい。
3. Auto Voice Leadingをオンにする。あるいは手動で転回形を調整して、コード同士をつなげる。
4. ベースを確認する。
5. トップボイスを確認し、欲しい動きになっているか聴く。
6. 最後は必ずトラック全体で判断する。

最後が大事だ。ソロで美しいボイシングも、ベース、ボーカル、ドラム、リードが入ると濃すぎることがある。ポップスやEDMでは、ハーモニーには役割がある。フックを支える。色をつける。もっと重要なものが鳴っているときは邪魔しない。

良いボイスリーディングはそこを助ける。大きな跳躍でリスナーの注意を奪わずに、コードを自然につなげてくれる。

大事なのは流れ

ボイスリーディングという言葉は少し学術的に聞こえる。でも制作では、ほとんど「流れ」の話だ。音が自然に動いているか。低域がきれいか。トップボイスが曲を支えているか、それとも邪魔しているか。進行がひとつのアイデアとして聴こえるか、それとも4つのコードブロックを並べただけに聴こえるか。

全部手で直すこともできる。むしろ、アイデアが固まって細かく追い込みたいときはそうするべきだ。ただ、普段の作曲、アレンジ、スケッチでは、機械的で退屈な部分を先にツールにやらせるほうが早い。

自動ボイスリーディングの一番いい使い方はそこだ。Harmonybeamなら、耳で判断する段階まで早く行ける。